Resumen de: Historia del Arte, La Iglesia Triunfante.(1999) Autor: Ernst H, Gombrich

A diferencia de Oriente donde los estilos perduraron por miles de años, en Occidente nunca se conoció esta inmovilidad, siempre surgían constantemente nuevos estilos que obligaban a los maestros de las artes a cambiar sus obras cuando recientemente habían terminado, esto se puede evidenciar en el arte románico de siglo XII, donde un nuevo estilo hizo que las iglesias que recientemente habían sido abovedadas y sus estatuas habían sido distribuidas de manera diferente parecieran vulgares y anticuadas.

Este nuevo estilo surgió en Francia y fue el inicio del estilo gótico, ahora las iglesias se abovedaban con vigas cruzadas, para lo cual los pilares bastaban, así que las piedras restantes eran solo de relleno, es decir los muros macizos que habían entre los pilares no eran absolutamente necesarios y se reemplazaron por amplios ventanales,  esta fue la idea que precedió las catedrales góticas de la segunda mitad del siglo XII.

Es evidente que existieron mas invenciones que lograron constituir este nuevo estilo de la arquitectura gótica, por ejemplo: los arcos semicirculares de la arquitectura románica resultaron inadecuados, así que se cambiaron por dos arcos que encuentran un segmento en lo alto, logrando así arcos apuntados; las pesadas piedras de la bóveda ejercen tensión sobre el arco y para esto resultaron necesarios sólidos contrafuertes para mantener la estructura y en la nave central fue necesario el uso de arbotantes que sostenían la nave a través de las alas.

Vista aérea que muestra su planta cruciforme y los arbotantes.
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En el interior de estas iglesias se puede notar un entretejido de flechas y vigas sutiles que recorren toda la nave hasta llegar a los pilares; los ventanales están distribuidos en medio de estas. Estas catedrales ya no ofrecían esa sensación tan fuerte de protección, mas bien ofrecían un reflejo del otro mundo lleno de joyas y calles de oro puro y vidrio que profetizaba el Apocalipsis.

Sainte-Chapelle, París. 1248. Vidrieras góticas.
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Tanto el interior como el exterior de estas construcciones parecen proclamar la gloria de Dios, la fachada por ejemplo de la catedral de Notre-Dame se muestra increíblemente flexible, sin esfuerzo y majestuosa, que da la sensación al espectador de que no pesa.

Catedral de Notre Dame, París. 1163-1250. Catedral gótica.
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En cuanto a las esculturas que adornaban los templos, el maestro que adorno el pórtico norte de la catedral de Chartres dio vida a cada escultura, parecen tener movimiento, se nota la presencia de un cuerpo bajo las vestiduras, además,  todas poseen un símbolo reconocible por todo aquel que haya leído el Antiguo Testamento,  

como Moisés que sostiene las tablas donde le fueron dados los diez mandamientos; todo esto con el fin de que sus mensajes fueran comprendidos y meditados por los creyentes, en conjunto forman una red de enseñanzas de la Iglesia, sin embargo para el artista gótico cada una de estas tenía una individualidad particular y por eso representaban con la mayor veracidad cada una de estas.

Melquisedec, Abraham y Moises. 1194.
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 Vemos como se vuelve importante para el artista mostrar los sentimientos de los personajes y apropiarse del espacio que tienen a disposición, conservando todavía la simetría del arte primitivo, pero mostrando claramente una alta habilidad técnica cuando representan la caída de los ropajes en los cuerpos; los artistas comenzaron a aprender de la naturaleza la forma de representación de los cuerpos para crear figuras de aspecto convincente.

Sin embargo existe gran diferencia entre el arte griego y el gótico ya que para el artista gótico es mas importante representar su tema sagrado de la manera más emotiva y veraz posible, para que los creyentes se conmuevan más con la actitud de los personajes, que con sus cuerpos, era evidente que manejaban por fluidez la figura humana sin embargo no era tan fácil para ellos hacer un retrato.

Tránsito de la Virgen en el pórtico del transepto sur de la catedral de Estrasburgo. h. 1230.
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Para los artistas del siglo XIII lo mas importante era trabajar en las catedrales y para los  pintores ilustrar los manuscritos, ellos al igual que los escultores muestran una gran importancia en el hecho de mostrar el sentimiento de las figuras representadas en el cuadro, también es importante la distribución armónica de los personajes sin importar la perspectiva o el tamaño de las figuras: por ejemplo en la ilustración que muestra el entierro del Cristo análogo, las figuras de la Virgen y Juan muestran gestos de dolor, los ángeles se sitúan en las esquinas superiores y los criados se diferencian por sus sombreros puntiagudos como los que usaban los judíos de la época, otra particularidad evidente de los artistas góticos es la forma de representación de las figuras como si pertenecieran a su época, así hayan existido hace miles de años.

Entierro del Cristo, h. 1250-1300.D el salterio manuscrito de Bonmont.
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A partir del siglo XIII los artistas abandonaron lo esquemático en los temas de interés, esto generó un gran impacto en el arte, se tiende a creer que un artista es una persona que en un libro de apuntes plasma lo que le gusta copiando directamente lo que ve, sin embargo, en el medioevo, la educación y aprendizaje artístico eran muy diferentes a comparación del renacimiento o los posteriores movimientos más contemporáneos.

La estructura estaba dada en un orden jerárquico de aprendizaje, en el cual escalaba puestos a medida que aprendía. Es decir, “Empezaba siendo un aprendiz de un maestro, al que acudía para instruirse y ocuparse de algunos pormenores del cuadro poco importantes. Gradualmente debía aprender cómo se representaba un apóstol y cómo se dibuja a la Virgen. Aprendería a copiar y a adaptar de nuevo escenas de viejos libros, encajándolas en diferentes marcos, y acabaría finalmente por adquirir bastante facilidad en todo esto como para ser capaz de ilustrar una escena de la que no conociera ningún patrón” (pag 196), pero no se vería en la necesidad de plasmar algo correcto que viera en su entorno natural, un ejemplo de esto es la representación de un elefante dibujado por el historiador Matthew Paris a mediados del siglo XIII. Fue enviado por san Luis, el rey de Francia a Enrique III, siendo el primero visto en Inglaterra; la representación poco parecido tiene con la realidad, aunque si es similar, sin embargo, el historiador prefirió señalar las proporciones exactas, incluso en una inscripción en latín inscribió “Por el tamaño del hombre retratado, podéis imaginaros el de la bestia aquí representada”, es decir, que para el artista del medioevo plasmar las imágenes no era por falta de técnica o conocimiento, simplemente les parecían poco relevantes a diferencia de las proporciones, que por lo visto, tenían gran importancia.

Matthew Paris. Un elefante y su cuidador, h. 1255.
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Ahora bien, en Francia en el siglo XIII fue una época que resalta la importancia de las catedrales gracias a su extrema riqueza, se convirtió en una capital artística, tanto que incluso influenció a Alemania e  Inglaterra, donde fueron muy apetecidas, sin embargo en Italia estas influencias no florecieron debido a que fue un país donde las ideas de guerra eran superiores hasta mitades del siglo XIII donde un escultor llamado Nicola Pisano, estudió los métodos de la escultura clásica para representar la naturaleza con mayor veracidad. Pisano trabajó en el gran centro marítimo y comercial de Pisa, en la siguiente imagen podemos apreciar uno de los relieves que realizó en un púlpito que aunque a primera vista difícil de comprender se entiende su influencia medieval de representar varios temas dentro de una obra. Esta la escena del arcángel anunciando a la Virgen del hijo de Dios (esquina superior izquierda), un pesebre (esquina superior derecha), Cristo siendo bañado por los criados (esquina inferior izquierda y una representación de los corderos (esquina inferior derecha).

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Puede verse cómo gozó plasmando detalles observados del natural, como el de la cabra de la esquina de la derecha rascándose la oreja con su pezuña a su vez también podemos resaltar el cuidadoso empeño que puso en la representación de los ropajes y pliegues.

Ahora bien, en la pintura, la influencia bizantina que ciudades italianas como Venecia tomaron para inspirarse y guiarse se hallaban decoradas con mosaicos “a la manera griega”, y aunque el conservadurismo oriental retrasara todo cambio,  el cambio llegó y permitió que la tradición bizantina y el arte italiano se empalmasen en construcciones de catedrales nórdicas y todo el arte de la pintura.

El escultor no solía preocuparse de crear una ilusión de profundidad puesto que el escorzo de los juegos de luz con la sombra creaba esta ilusión, ya que la obra solía ubicarse en  espacios iluminados naturalmente, alcanzando un gran verismo, aspecto que no poseían ningún pintor del siglo XIII.

El arte Bizantino permitió que los italianos rompiesen la barrera entre pintura y escultura, debido a que su arte era muy rígida y conservaba la mayoría de los descubrimientos de los pintores helenísticos que sobrevivieron a la edad de las tinieblas en occidente.

Giotto di Bondone (1267-1337) revolucionó el arte italiano, ya que gracias a sus maestros Bizantinos heredó sus metodos, y sus propósitos y perspectivas a los grandes escultores de las catedrales nórdicas. Sus obras más famosas, son sus frescos, un claro ejemplo es cuando entre 1302 y 1305 cubrió los muros de una iglesia de Padua, al norte de Italia.

Giotto di Bondone. La fe, h. 1305. Detalle de un fresco; capilla Dell'Arena, Padua.
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La imagen anterior muestra la representación de la fe por Giotto como una matrona con una cruz en una mano y un pergamino en la otra, ésta obra claramente a simple vista parece una estatua, pero es una pintura que parece una escultura, que gracias a el escorzo de los brazos, el modelado del rostro y cuello y las profundas sombras en los flotantes pliegues del ropaje Giotto re descubrió el arte de crear la ilusión de la profundidad sobre una superficie plana. Gracias a esto, las representaciones de la Biblia pareciesen acontecer justo frente a nuestros ojos.

Giotto di Bondone. El entierro del Cristo, H.1305. Fresco; capilla Dell'Arena, Padua.
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Su obra “El entierro del Cristo" da claramente un principio de perspectiva, donde Giotto dio a entender que mostrar las figuras íntegramente, una influencia egipcia que perduró hasta ese entonces era irrelevante, Giotto abandonó ese criterio, pues lo consideraba un artificio, y generó gracias a la superposición de figuras, una sobre otra, un realismo, que aunque un poco aglutinado como el de Pisano, daba a entender claramente la escena a representar.

Lo más curioso de aquella época fue la falta de interés por apropiación de la obra, puesto que ningún artista solía firmar sus obras, no había un interés en adquirir fama o notoriedad, es por esto que “ignoramos” a los artistas que realizaron las esculturas de Chartres, Estrasburgo o Naumburgo, pero a pesar de todo fueron muy apreciados en su época, aunque su gloria se la confirieron a las catedrales en las que trabajaron.

Bibliografía: Gombrich, Ernst, Historia del arte (1999), pagina 195-205, editorial Sudamericana S.A.